Arquitectura

SOCIÓPOLIS

“El espacio del público ha sustituido al espacio público” Marc Augé.

VICENTE GUALLART/ TOYO ITO/ WILLY MULLER ARQUITECTOS, MANUEL GAUSA/ SCAPE ARCHITECTURE. Duncan Lewis/ R&SIE ARCHITECTS. FRANÇOIS ROCHE/ GEODE BLOCK/ YO2 ARCHITECTS. Young Joon Kim./ THE OBSERVER DESIGN GROUP. JM LIN / EA ARQUITECTOS. Antonio Lleyda, Eduardo de la Peña/ SOGO ARQUITECTOS/ JOSE LUIS MATEO. MAP ARQUITECTOS/ MVRDV / COLOMER& DUMONT/ ARQUITECTURAS TORRES NADAL/ ARQUITECTURA MEDIATERRANEA. José María Lozano/ ABALOS & HERREROS/ NO.MAD ARQUITECTOS. Eduardo Arroyo.VALENCIA, ESPAÑA, 2007

Como arquitectos no podemos evitar influir en la dinámica humana con cada proyecto consumado. Nuestros proyectos cargan con la responsabilidad de interferir con la vida cotidiana de una persona. Debemos entonces ir más allá de la intensión de crear como seres supremos y en su lugar provocar que los destinatarios realmente intervengan en el proceso creativo de su espacio.

En las últimas décadas ha sido rotundo el fuerte cambio cultural que sufre la sociedad actual, la sociedad del conocimiento y la información, (referente al uso continuo de los medios de comunicación, independiente de su buen o mal uso); sociedad del consumo y largas jornadas de trabajo, este hecho debiera ser reflejado en el espacio, colectivo y personal, respondiendo a necesidades del nuevo funcionamiento social.

Las características del espacio público actual, en lo sucesivo denominado ‘No Lugar’, parecen funcionar a la perfección para la sociedad actual “Sobremoderna” donde la individualidad es proporcional a la globalización. Y aquí la paradoja social del siglo: Heterogeneidad individual frente a la homogeneidad global.

Las personas no configuran más su propio espacio. Es esa una de las razones por las que el lugar carece de identidad. En términos de Marc Augé; un No Lugar es aquel espacio sin identidad, ni vínculos directos entre el que lo ocupa y el lugar mismo. Un espacio donde se es anónimo, y el dialogo interpersonal es inexistente. Este fenómeno existe tanto en el espacio privado como en el espacio público, aunque en este último es mucho más evidente.

Tenemos como ejemplo los centros comerciales; el espacio “público” más concurrido en la actualidad, configurado alrededor del consumo, el mercado global y las marcas. El espacio público se ha visto reducido a angostos pasillos que guían al caminante hacia sus reducidas actividades de trabajo y consumo. Hoy en día la convivencia social es una consecuencia del consumo. Esto como fenómeno actual; el mismo método podría ser usado para fines más productivos exactamente con los mismos recursos.

Como segundo caso, están las viviendas tipo. Estos cubitos con puertas y ventanas que arman las constructoras y venden al mayoreo. Estos FRACCIONAMIENTOS, (palabra muy acertada por cierto), sufren también de una amputación del espacio para la convivencia. Las banquetas (volviendo al término de pasillo) apenas alojan a uno que otro loco que aún camina.

El habitante del cubito es además acreedor de un nuevo hogar simulado que si mucho tiene un espacio para instalar algún detalle que distinga su vivienda de las demás, un rastro que queda de aquello que llamábamos identidad.

¿Por qué es importante la identidad?, citando de nuevo al antropólogo frances Marc Augé; “No hay identidad sin la presencia de los otros. No hay identidad sin alteridad”. La alteridad como concepto filosófico, también se ve en la afirmación del “yo” hace del “otro”. Una persona a través de la interacción con el otro puede conocer cosas que antes no conocía, de esta forma se crean imágenes e ideas nuevas que refuerzan, cuestionan o enriquecen las propias.

Lo cierto es que el tiempo, el dinero y los intereses ya no alcanzan para alguna otra alternativa, o por lo menos eso parece. La sociedad está envuelta en innumerables distracciones y no repara en la ausencia de vida a su alrededor.

Sin embargo, existen proyectos que logran destacar estas incoherencias mundanas y además ofrecen alternativas sobre el sistema actual. No llegan a ser la utopía que por arte de magia frene nuestros vicios humanos, pero nos acercan a una dinámica urbana mucho más humana y social.

En el año 2003 se presentó en la bienal de Valencia, España este proyecto denominado “Sociópolis” donde participan alrededor de 13 arquitectos internacionales y cuya construcción dio inicio hace poco menos de un año.

Promocionado por el Instituto Valenciano de la Vivienda (IVVSA) combina la vivienda con el desarrollo sostenible de la zona, adoptando el criterio de vivienda vertical para rescatar terreno y así destinarlo para equipamiento social, cultural, deportivo y ecológico.

Tras su presentación se realiza un primer barrio de 2.800 viviendas al sur de la ciudad de Valencia, en la pedanía de La Torre, situado torno al nuevo cauce del rió Turia, en una superficie de alrededor de 350.000 m2.

El concepto de Sociópolis es mantener una zona agrícola en e integrarla como un entorno habitable y utilizable por los inquilinos. El parque central (áreas verdes y equipamientos) tendrá una superficie de de 165.000 m2, y 8.404 metros lineales de acequias, que darán servicio a los huertos urbanos.

La huerta a orillas del rio Turia era una reserva ecológica protegida, sin embargo rodeada de vías de alta velocidad lo que la hacían una zona olvidada y por tanto deteriorada. Al implantar vivienda en la zona sin eliminar la vocación del lugar se complementan y aseguran dos necesidades para una ciudad sana: vivienda y naturaleza provocando además una relación simbiótica entre ambas partes. Sin mencionar las peculiaridades que a cada edificio le ha dado su internacional autor. Cada arquitecto le da un giro muy interesante a su porción de proyecto siempre respetando común denominador de conservación y comunidad ecológica que rige al conjunto.

En palabras del arquitecto Vicente Guallart, líder del equipo multidisciplinar; “el reto es construir un nuevo barrio entre la ciudad y la huerta de Valencia ha permitido explorar una nueva condición híbrida y dinámica del territorio al proponer un nuevo modelo para el manejo de los bordes urbanos. Ya no vivimos en una metrópolis compacta, sino en una metápolis discontinua; en un territorio amplio recorrido por vías de transporte y ocupado por núcleos de población, parques industriales y centros de comercio.

Ahora el reto es conseguir hacer crecer la ciudad, integrando en nuestros desarrollos los elementos culturales y antropológicos del paisaje que hemos heredado de nuestros antepasados. Construir y proteger se realizan en el mismo acto. Frente a la dicotomía ciudad-campo, ahora proponemos conseguir una transición inteligente entre estos dos modos de asentamiento anteriormente antagónicos, una integración que permita reconocer en este caso el valor social y cultural del paisaje de la huerta de Valencia, e integrarla en el suelo y la vida urbana.

Ante una sociedad global, cada día más uniformizada, el reconocimiento de los valores culturales y paisajísticos propios de cada territorio significan calidad de vida a los ciudadanos y además de afirmar una identidad propia.

Por ello, frente al urbanismo del siglo XX, construido en función de la velocidad del automóvil Sociópolis propone un nuevo modelo de desarrollo “tecno-agrícola” que garantice la creación de un entorno local de alta calidad ambiental a ser usado a baja velocidad por sus habitantes”.

http://www.sociopolis.net/web/sociopolis.php

http://www.guallart.com/

Santuario

Arquitecto: Bernard Tschumi                                          

Obra: Nuevo Museo de la Acrópolis, Atenas, Grecia

Los fundamentos de la arquitectura griega aún hasta nuestros días son venerados como la expresión última de la perfección material y proporcional en un edificio; los conceptos básicos de orden, ritmo, proporción, simetría, etc. se manifiestan y logran un efecto de belleza inherente más allá de su compresión estética, y casi como un enunciado paradójico es ahí donde la lógica matemática afecta al juicio relativo o la percepción de belleza. La prueba irrefutable del efecto soberbio que tiene la línea griega es la concepción de un nuevo museo para el conjunto de la acrópolis, donde se pueda perpetuar el legado greco-romano y la dicotomía de un edificio objetual -aparentemente anacrónico y a la vez un diálogo temporal -se haga presente.

La elección del área de emplazamiento dentro del conjunto de excavaciones Makriyanni cerca de la Acrópolis fue tema de polémica de sobremanera, siendo esta situación realmente difícil para el desarrollo de este museo. Indiscutiblemente, la localización del museo podría cambiar y no resultar tan ofensiva para la memoria o el estado de las ruinas; sin embargo, siendo Bernard Tschumi el proyectista, uno de los más reconocidos teóricos la arquitectura actual, no tengo dudas en reconocer que el criterio que ha utilizado es el de mayor respeto a la historia y a la memoria colectiva que puede haber, y que su solución no sólo tiene la intención de ser un marco para la historia, sino un eco de ella; el tiempo y el espacio se funden y permiten el pasado ser uno con el presente mediante la reinterpretación del pasado que realiza Tschumi en este museo.

El museo se define como dos prismas trapezoidales puros que emulan al orden y ritmo clásico griego en su exterior, y un prisma de cuadrangular cristal superpuesto que permite una visibilidad envidiable hacia el conjunto de la Acrópolis, además de disfrutar de la exhibición de esculturas en ese nivel. De acuerdo al propio Tschumi, las restricciones del sitio son estimuladas por tres conceptos regentes que dejan entrever una oportunidad arquitectónica y ofrecen un museo simple y preciso, con la claridad matemática y conceptual de la antigua Grecia; estos conceptos son la luz, el movimiento tridimensional y el tectónico-programático.

Las condiciones de este museo giran entorno a la luz, todos sabemos que la luz en Atenas difiere a la de Barcelona, Londres o cualquier otro lugar, por lo que este edificio se define como un escaparate pletórico de luz, óptimo para presentar esculturas y sus espectadores puedan observar claramente sus detalles; de la misma manera, el edificio gracias a la luz se convierte en un “susurro” metafórico –en contraste con los grandes “gritos” de los museos modernos, como el Guggenheim de Bilbao- que se mimetiza con su contexto. El movimiento del recorrido se convierte en un factor de vital importancia para el entendimiento del proyecto; mediante esa circulación tridimensional a través de las rampas que conectan los diferentes niveles del museo se puede disfrutar de las exhibiciones desde la excavación, las piezas de mármol del Partenón, y por supuesto el período romano. El excelente manejo del espacio y tiempo es precioso, y por lo tanto el recorrido es claro y perfectamente entendible, es axiomático que el edificio guía la circulación directamente. De manera singular, la base de la tectónica del diseño del museo está basada sobre su programa, el alojamiento y distribución de las áreas es lo que origina la forma que se manifiesta en este proyecto.

Concretamente, el objetivo del maestro Tschumi es la culminación de un museo que permita al espectador hacerse parte del lugar, y proveer un contexto para la asimilación de la historia, características y el legado del conjunto del Partenón propiamente. Personalmente, encuentro este museo muy académico y teórico, pero que al final su ejecución expresa una forma sugestiva que obedece a la más pura función y la mimetización con su contexto, lo que en la mayoría de las veces no es viable en la arquitectura contemporánea. Las ordenanzas y conceptos de este auténtico santuario son tan antiguos que se remiten a la época a la cual este edificio trata de ser un espejo, y por lo tanto este edificio únicamente se convierte en un asistente más que ha sido fundado mediante el dominio magistral de la abstracción de los ideales greco-romanos arquitectónicos en nuestro presente. 

Análisis auto erótico.

Ubicado en Santa Catarina, a las afueras de Monterrey el corporativo CX Networks, proyectado por la mano de Agustín Landa y su equipo, se desenvuelve dentro de una atmósfera industrializada de la regia metrópoli, en la que el paso de la gente y el tráfico se dicen urgentes y se encuentran en constante movimiento.  

El edificio fue concebido sobre una antigua fabrica que se encontraba emplazada en el terreno, sin embargo, no fue tocada por el arquitecto, quien se dedico a generar conexiones entre lo existente y lo nuevo por medio de espacios comunitarios y de transición ante las necesidades del fuerte contenido programático. Landa hace alarde de su capacidad para entender la importancia de la estructura en sus edificios generando una enorme losa voladiza que se sostiene por tensores en su parte superior. La geometría de CX Networks es abstracta en la mayoría de sus elementos compositivos, podemos observar claramente como se manifiestan dos prismas de base rectangular masivos, perforados únicamente en donde la ventilación se hace necesaria.

Aunque estas piezas dialogan mediante una dualidad, el tamaño hace evidente cual de las dos es la preexistente, pues esta se manifiesta pequeña en proporción a la segunda, fungiendo también como basamento a un tercer prisma que se conecta con el volumen de mayor tamaño. Dicha conexión es evidente gracias a un plano rectangular que cobija las piezas en cuestión, y es de esta “mega losa” de la que surgen numerosos pilotes, unos cilíndricos y otros rectangulares, haciendo evidente la estructura del conjunto arquitectónico. Dichos elementos estructurales generan el binomio forma- ornato, pues al ser expuestos terminan siendo partidarios de la piel del edificio. Al buscar polígonos bidimensionales todo se remite al cuadrado y al rectángulo y se manifiestan generalmente en las formas espaciales. 

Seria complicado si se buscara ubicar el edificio dentro de alguno de los marcos culturales, sin embargo, el inmueble es prueba tangible de los aspectos propuestos dentro de los tratados de la arquitectura moderna. Los volúmenes fácilmente identificables responden a la teoría planteada por Le Corbusier o Mies Van der Rohe entre los años 20 y los 40´s. Dichos sujetos plantearon su teoría como un movimiento que revolucionara la manera de ver y hacer edificios, respondiendo a los antecedentes de arquitectura clásica y ornamentada, mediante ejercicios puros en su forma y expresión para lograr su mejor entendimiento.

 El hecho de que prismas tan claros y evidentes manifiesten la forma genera una directa relación con la estabilidad, así como con los aspectos de resguardo y fortaleza. Algunas formas espaciales se hacen perceptibles, los cilindros en las escaleras, o hasta los trapecios en el sistema postensado de la losa, los cuales hacen referencia a la aspiración humana por la elevación contraponiéndose con lo terrenal. 

Su materialidad se dice generalmente de manera abstracta,  esta viste el edificio contemporáneo mediante aplacado de piezas de alucobond, así como al preexistente de tabique rojo con aparejo a soga y tizón. Su estructura de acero se hace evidente en el exterior de la pieza, la cual protagoniza opacidad y transparencia. El concreto de los muros de mayor trascendencia (debido a que se exponen hacia la parte exterior del emplazamiento) es aparente y por consiguiente monocromático.  

Hacia el interior en aquel espacio que se genera entre ambos edificios, se produce una pantalla de cristal, la cual genera transparencia y detona la conectividad de ambos objetos arquitectónicos. Los vanos en los fuertes y masivos bloques de concreto y ladrillo se cierran con ventanearía de cintas horizontales que abarcan las respectivas fachadas con planos ilimitados.

El espíritu del lugar conserva la continuidad entre los elementos regionales como es el caso del ladrillo y el concreto. Por otro lado elementos como el acero, el alucobond y el cristal se manifiestan dentro de un movimiento innovador en la manera de ornamentar la arquitectura. El ornato de Cx Networks resulta académico y plenamente abstracto debido a la relación entre las tonalidades opacas del concreto y los colores metálicos. A su vez la expresión pura de los materiales hace referencia directa al modernismo y su búsqueda por revelar los procesos de construcción de los elementos en los edificios. El caso estudiado carece de elementos escultóricos, pictóricos y cerámicos, esos que pretenden embellecer la arquitectura. En general la piel del edificio manifiesta un sistema que referencia la ideología con la que se comporta una corporación. 

http://www.landagarcialanda.com/ 

A Penélope por amar los detalles mas “absurdos” del centro comercial. 

Óscar.

Urban ZAHA

Arquitecto: Zaha Hadid                                                    

Obra: Plan maestro para Zorrotzaurre, Bilbao

La ciudad de Bilbao, en el País Vasco, ha sido emplazamiento de una revolución urbanística que tiene su origen en los ensanches sureuropeos del S. XIX. Los ensanches mencionados fueron impulsados por el ejemplo fehaciente de la ordenanza isomorfista en Barcelona de la mano de Ildefonso Cerdá, un socialista utópico que únicamente deseaba crear   una ciudad más habitable, más digna, más sana y menos congestionada y más igualitaria. En la actualidad, Bilbao es más conocida por el icónico Guggenheim proyectado por Frank Gehry, el cual ha provocado un efecto desmesurado cambiando la dinámica de la ciudad y generando una vida turística antes casi inexistente. Una vez más Bilbao está en el enfoque del mundo de la arquitectura al concursar el plan maestro para varias de sus zonas abandonadas, como el puerto en Santurtzi y la península del Zorrotzaurre, a conocidas figuras del cosmos arquitectónico. En esta ocasión me doy a la tarea de comunicar mi impresión sobre la propuesta de Zaha Hadid para el plan maestro de Zorrotzaurre; Hadid ha sido blanco de intensas desaprobaciones y críticas en escritos anteriores, sin embargo en esta ocasión creo que su aportación es    sólida, factible y vanguardista en lo que urbanísticamente se refiere.

Zorrotzaurre es un área de 60 hectáreas que nace en una curvatura junto al río Nervión que se encuentra frente al centro de la ciudad, la zona del ensanche; en el centro resulta notorio que gracias a las calles rectas se ha tenido la posibilidad de racionalizar los servicios urbanos desde los superficiales hasta las redes subterráneas. Por consiguiente, el área de Zorrotzaurre tiene un potencial y responsabilidad increíble, debido a su función como ligadura al centro de Bilbao, como   un área revitalizada de negocios y como lugar estratégico para la expansión de la ciudad y la integración de la región como tal. El programa principal para le plan maestro consiste en la colocación estratégica de talleres, laboratorios, estudios, oficinas, etc. para más de 6000 personas. La propuesta de Zaha Hadid se ha enfocado correcta y lógicamente en la densificación de la infraestructura en las áreas colindantes al frente marítimo del Río Nervión. De la misma manera, este plan maestro dialoga con las condiciones de la traza existente y las altera sutilmente materializando un juego sutil de áreas libres y otras compactas, las segundas mimetizando la traza del ensanche del centro, provocando un efecto claramente dramático y sólo posible por la topografía y curvatura de la península.

Me parece muy básica y simple la propuesta de Hadid, pero a la vez muy funcional y vanguardista, algo poco común de la figura de Hadid hacia mi persona, creo que ella es mejor urbanista que arquitecta, como urbanista es contenida y vanguardista, y de la otra manera todos conocemos su esencia formalista. Verdaderamente lo que me parece soberbio es  la manera en que habilitó los edificios históricos y los nuevos desarrollos con una conexión directa al frente del río donde se localiza una basta área pública, lo cual es muy lógico e incluso imperativo, pero a veces los recursos son pasados desapercibidos. Mi opinión sincera es que la imagen de la ciudad de Bilbao está cambiando constantemente, pero siempre bajo una serie de fuertes reglas que remiten de un pasado ordenado y que proveen las bases para un futuro de la misma manera.

El arquitecto del musico…y viceversa.

Por la mañana en la universidad platicaba con mi amigo André Borud (diseñador Industrial oriundo de Suecia); mientras tomábamos el desayuno abordamos los tópicos del clima y otras cosas, entre ellas la relación del diseño con el arte y la relación del arte con la sensibilidad. Intensamente le preocupaba el desarrollo del nuevo imperio chino en la globalización, mismo que puede poner en una situación incómoda los preceptos del arte que un día resultaban sagrados ante el asombro de la humanidad entera, ¿cuál es el punto o la plataforma sobre la cual los arquitectos, diseñadores y artistas debemos montar nuestro contraataque a la capacidad de los chinos o hindúes de reproducir cualquier objeto en serie, a un precio mucho mas accesible? Respondí inseguro que probablemente sea la calidad con la que nuestro trabajo se promueve, pero ahora que lo pienso bien debe de ser la capacidad que los creativos debemos tener para leer el mundo en el que vivimos, para luego hacer de ello una interpretación sensible y asombrosa.

Posteriormente hablando de tales relaciones incómodas entre diseñadores con complejo de artista pensaba en cuáles son esos personajes que se preocupan por entender a la humanidad en un plano presencial. Siempre me ha llamado la atención la relación que tiene la arquitectura con la música, esa que va más allá de que “la arquitectura es música congelada”, (algo que por cierto, nunca he logrado comprender, pues el paso del tiempo no sólo se dice, sino que se grita en el vacío que hace la arquitectura, por medio de la luz, la temperatura o el ornato particular y biológico), sin embargo, el sonido y el espacio más que una relación sostienen un romance.

Sin duda, el tan mencionado Rem Koolhaas es hoy el más productivo en la arquitectura de autor, el más preocupado por el presente, ya que su años de experiencia como escritor y periodista le dieron esa particularidad de involucrarse directa o indirectamente con lo que sucede, segundo a segundo, dentro de los ambientes nacionales, en las ligas que los unen unos con los otros y en las heridas que los dividen, sus publicaciones generalmente están cargadas tanto por un analítico diseño gráfico (mismo que es llevado a cabo por su conceptualista de cabecera Bruce Mau en S,M,L,XL) , como por una buena dosis de sarcasmo, tratando problemáticas políticas, ambientales y sociales ligadas al urbanismo o a la generación de productos arquitectónicos, y no es necesario mencionar el gran poder mediático que este pensador tiene dentro de su disciplina, el cual le da el poder de decidir dentro de un amplio margen el rumbo que los arquitectos deben seguir.

Thom Yorke, líder y guía espiritual de la banda inglesa Radiohead, sostiene un movimiento creativo que podría manifestarse casi idéntico al de Rem, y es que el compositor de OK Computer se ha acercado por medio de sus canciones y su blog a movimientos anti Bush, o de calentamiento global, analizando de una manera caótica el tiempo que nos resta antes de que los humanos acabemos irónicamente con la humanidad, de igual manera acompaña sus composiciones por gráficos complejos de los cuales es responsable Stanley Donwood . La relación Koolhaas–Yorke va más allá de la lectura política y social, sus procesos creativos mantienen una estrecha conexión indirecta pero de gran similitud, los cuales se basan en hacer del partido de trabajo un resultado terminado, contando con una gran falta de respeto por la “perfección”, ambos generan piezas desde una perspectiva atemporal con el contexto en que están situadas o relacionadas, digamos que la Casa da música es un buen ejemplo en el que Rem se autocopia a sí mismo un proyecto partidario de un programa totalmente diferente, o la poca preocupación que mantiene al ver que su propuesta para el TVCC cultural centre tenga la forma de una “bota”, mientras que a Yorke le importa poco si lo que se está grabando para alguno de sus records es el sonido repetitivo y yuxtapuesto de su teclado dramático, el cual resulta incongruente y sincopado a los otros instrumentos y a su propia voz, (tal es el caso de Kid A o Amnesiac, los discos más experimentales de Radiohead).

El trabajo de ambos personajes genera una entropía inmediata en el usuario al ser expuesta, ya que marca una diferencia directa con los que éste está acostumbrado a vivir o a escuchar, sin embargo, dicha entropía no es tan descabellada como parece, ya que él sí tiene un orden que se manifiesta dentro de un universo paralelo, y es lo que hace que sus trabajos sean geniales, ya que obligan -a quien los percibe- a que interactué y ordene ese sistema aparentemente caótico haciendo de ello una experiencia estética. De la misma manera la intensa búsqueda de la innovación hacen que sus entregas sean experimentos que proponen, en la mayoría de la ocasiones, nuevas maneras de ver la música y la arquitectura, haciendo un intenso estudio del programa que resulta en un edificio que no aparenta dicha complejidad, o tres meses reescribiendo la letra, para una canción de dos minutos.

Es claro que dos de los grandes maestros de la creatividad en nuestros tiempos, y aunque lo más probable es que ni se conozcan ambos, sostienen un compromiso con la innovación de vivir en un mundo distinto, haciendo arquitectura y música conceptual. Probablemente la única diferencia aparte de la disciplina, sería la actitud entre Koolhaas y Yorke, pues mientras Thom recae en alguna de sus depresiones creyendo que el mundo podría terminarse en cualquier momento, Rem se hace ver como el héroe revolucionario que el planeta Tierra necesita, bebiendo su sexto café del día.

Óscar.

http://www.oma.eu/

http://www.radiohead.com/deadairspace/

El Edificio Más Verde de Mumbai.

 “…la idea de sustentabilidad, o diseño ecológico, es asegurarnos de que los actos o decisiones de hoy no comprometerán las oportunidades de futuras generaciones.”

Sabemos que todas las actividades humanas generan contaminación a algún nivel y en particular la construcción ha sido históricamente una de las actividades con mayor impacto ambiental. Desde la implantación de una edificación hasta su duración o su eventual destrucción son actos que han perjudicado el equilibrio natural del planeta. Los edificios llamados “verdes” surgen como respuesta a esta problemática. Con propuestas que busquen aumentar la eficiencia energética dentro de la construcción en el uso de electricidad, agua y materiales, reduciendo el impacto en la salud humana y ambiental, a través de correctos métodos de implantación, diseño, construcción, operación, mantenimiento e incluso su eventual demolición. En resumen una ecológica planeación del completo ciclo de vida de cualquier edificación.

Adaptabilidad

Arquitecto: Riesco + Rivera Arquitectos Asociados

Obra: Casa Contador-Weller, Tunquén, Casablanca, Chile

En la arquitectura el espacio es definido por un material que se convierte en la envolvente, y a su vez el espacio muta, se transforma, y por consiguiente el material debe de tener la misma adaptabilidad para seguir el proceso evolutivo al que se ven expuestos. El material debe de ser llevado al extremo, en un continuo experimento, hasta el punto donde no se pueda agregar o quitar elementos, donde funcione de esa única manera y se convierta en una solución lógica y precisa. Este tipo de volumetrías con juegos formalistas y de experimentación arquitectónica se han filtrado a Latinoamérica cuando anteriormente sólo se realizaban en Estados Unidos, Europa o Asia, y se ha convertido en un lenguaje contemporáneo muy recurrido. El anterior es el caso de la casa Contador-Weller en Chile, proyectada por los Riesco + Rivera Arquitectos.

El objetivo del trabajo de esta firma de arquitectura está orientado a la exploración de posibilidades constructivas; en esta casa además de hacer una manipulación formalista de una volumetría clásica cuadrangular se modifican ligera o considerablemente el sistema constructivo con el que fue realizado, en este caso es un sistema constructivo canadiense, con la finalidad de que el sistema pueda adaptarse al entorno y las capacidades económicas de Chile. Mediante la manipulación de detalles tanto de ingeniería como de diseño los arquitectos han logrado reducir los costos y aumentar la calidad del espacio, lo que nos prueba que una efectiva exploración de diseño nos puede llevar a soluciones inimaginables, creativas y eficientes. Realmente, los materiales usados en esta casa son tradicionales, como madera, vidrio, algunos elementos de mamposterías, sin embargo en la forma de plantearlos es donde reside la gran diferencia para una ejecución de vanguardia que borra las construcciones mentales preestablecidas que tenemos todos en la actualidad.

Este proyecto nos muestra como el material se puede adaptar a todo tipo de condiciones, económicas, climáticas, formales, etc., y de esta manera permitir la concepción de espacios fuera de lo convencional, que tengan cualidades mejores y de mucho mayor calidad. En conclusión, puedo decir que las herramientas para un diseño arquitectónico efectivo están a nuestra disposición, únicamente hace falta investigación y desarrollo, eso es lo que permite la creación de la arquitectura que marca hitos.

ELEMENTAL: Arquitectura en el Tercer Mundo.

“El arte en general, y naturalmente también la arquitectura, es un reflejo del estado espiritual del hombre en su tiempo” Mathias Goeritz

93 familias / 5,205 m2 (714 hab/há)
Ubicación: Av. Pedro Prado
Presupuesto: 31,000 UF (subsidio 330 UF/fam + ahorro 10 UF/fam)
Superficie casa: 70m2 (inicial: 36 m2 + ampliación: 34 m2)
Superficie departamento: 72m2 (inicial: 25m2 + ampliación: 45m2)
1 UF = USD $35 aprox.]

Actualmente el término “tercer mundo” se utiliza como referencia a los países en vías de desarrollo. Se caracterizan por su deficiencia económica, política, tecnológica, de investigación y educación. La dependencia y opresión política y económica que los países desarrollados ejercen sobre los subdesarrollados se refleja en todos los aspectos.

La arquitectura, como espejo social, habla por sí misma y en esta situación global se refleja en una forma muy peculiar. En Latinoamérica la colonización marca la primera pauta en la arquitectura actual. Tal evento impuso una arquitectura determinada de países ajenos privándonos de un proceso de desarrollo y evolución propios, arrebatadas nuestras raíces e impuesto una nueva cultura a la cual nos adaptamos y reinterpretamos incluso de forma surrealista.

Pintura de la Ciudad de México por Juan O’Gorman

Mientras los arquitectos y sus conceptos en boga actual procedentes del primer mundo son por ejemplo; Toyo Ito y su experimentación con la arquitectura como filtro, Kazuyo Sejima incorporando los flujos de la ciudad a sus proyectos residenciales, Shigeru Ban investigando sobre las estructuras efímeras; en Latinoamérica el empleo de estos conceptos se convierte en una aplicación burda si no solucionamos antes conflictos inherentes al desarrollo que va implícito en nuestra categoría global.

En la actualidad la crisis de Latinoamérica se ve agravada por este intento obstinado de imitar sin fundamento al primer mundo. La polarización en nuestras ciudades es cada vez más grave y esto con sus secuelas tanto económicas como sociales. Hemos caído en un círculo vicioso donde las familias de escasos recursos no tienen otra opción más que ocupar terrenos sin infraestructura ni planeación y eso a su vez ocasiona más gastos sin mencionar el problema social que esto genera.

Tenemos entonces a la vivienda de interés social como uno de los problemas más comprometidos con el pueblo en los países en vías de desarrollo. Y sin duda también como un detonador de desarrollo a consecuencia de una mejor calidad de vida para la sociedad en general. La realidad en los países tercermundistas plantea un problema mucho más complicado que una simple lucha de poder para la arquitectura y el urbanismo como lo es entre potencias mundiales.

Tomando en cuenta estos antecentes, el Arquitecto Alejandro Aravena en conjunto con la Universidad Católica de Chile desarrollan actualmente un proyecto que aborda la problemática en cuestión: ELEMENTAL, no solo ofrece soluciones de arquitectura o urbanismo, sino que se preocupa por problemas sociales profundos en la ciudad. Planteando soluciones incluso de visión a las empresas para llevar a una solución integral: económica, social, espacial y urbana.

ELEMENTAL es un proyecto chileno, y arranca con una difícil ecuación; reubicar a 100 familias que habitaban de manera informal desde hace 30 años una zona del desierto chileno y a la vez evitar la erradicación de estas familias a la periferia. Un subsidio del gobierno chileno de US$ 7,500 por familia permite construir habitaciones de sólo 30 m2, no obstante, el proyecto incluye el espacio delimitado para un crecimiento posterior. Este esquema exige a los usuarios a ser ellos mismos quienes “dinámicamente” transformen la solución habitacional en una vivienda completa dándole un nuevo giro: la vivienda de interés social no solo como solución rápida sino como inversión a mediano y largo plazo. De entrada la vivienda es un cascarón en blanco y va adquiriendo forma y color según la posibilidad, gusto y vida del usuario convirtiéndose indirectamente en un panel para la expresión popular, además de ser zonas que adquieren mayor valor monetario con cada día que pasa. Además de la identidad que se generá en el lugar como consecuencia de una autogentión controlada por ciertos parámetros que establece el proyecto.

Reconocer las propiedades del contexto en el que vivimos y el papel que nos toca jugar es un magnifico comienzo. Y este proyecto es el ejemplo perfecto de colaboración entre el edificio su contexto socioeconómico y urbano. ELEMENTAL es una obra dispuesta a compartir su inquietud con la comunidad y a generar una participación activa que no hace más que enriquecer el trasfondo cultural de una manera constante y progresiva en la que colaboran todas las partes de una sociedad; la inversión, el gobierno, la educación, el creador y el usuario.

http://www.elementalchile.cl/

La transparencia dentro del diseño filogenético

Arquitecto: Foreign Office Architects (FOA)
Obra: Terminal Portuaria en Yokohama

El filósofo alemán Martin Heidegger define el término transparencia como la actividad no reflexiva, no pensante del ser humano, o en otras palabras, el estado primario de la actividad humana. Generalmente las tareas que hacemos en nuestra vida diaria no son realizadas con la totalidad de nuestra atención enfocada. De la misma manera tampoco nos adelantamos a los comportamientos que haremos posteriormente; las características anteriores distinguen la acción transparente de la acción racional. Sin embargo, es notorio que la atención dividida no limita la ejecución en algún sentido la hace menos alerta. La aplicación de la transparencia ontológica de Heidegger en la arquitectura ha sido una realidad para muchos arquitectos desde hace más de una década. El proceso generativo de propuestas arquitectónicas puede ser enriquecido llevándolo a un estado primario de la conciencia del proyectista y cuyo resultado sea un objeto transparente, donde su definición como haya sido dada por la evolución sistemática del método de diseño.

La conceptualización expresada anteriormente es llevada a la práctica mediante métodos de diseño informáticos representados diagramáticamente, y mediante un proceso evolutivo se manipula la información de una forma coherente y contextualizada al proyecto, y al finalizar se obtiene una posible solución objetual ejecutada metodológicamente transparente. El estudio conocido como Foreign Office Architects (FOA), conformado por Farshid Moussavi y Alejandro Zaera, entre otros arquitectos, han optado por esta mecánica que rompe el paradigma de diseño tradicional, convirtiendo los resultados en soluciones de vanguardia, tanto formal, configurativa y generativamente. Esta firma internacional se dio a conocer en la escena de la arquitectura gracias a su triunfo en el concurso para el diseño de la Terminal Portuaria en Yokohama en 1996, la cual fue terminada en el año 2002.

En Tokio se realizó una exposición donde los integrantes de FOA describieron sus proyectos como un proceso de filogénesis, una taxonomía basada en la clasificación de especies que se utiliza en las ciencias naturales. FOA se empezó a interesar en la filogénesis como un método factible para la organización y estructuración del conocimiento arquitectónico al notar que esta taxonomía se ha utilizado en la naturaleza para organizar las formas de vida o especies que al desarrollarse en un contexto determinado llegan a mutar; con éste método se logra rastrear a la especie y registrar los eventos por los que transita. La filogénesis se ha constituido como un elemento de organización, que pretende clasificar los proyectos en sucesiones de disposiciones espaciales, esencialmente formales. En contraste a ser un elemento meramente analítico FOA ha mencionado que existe un potencial productivo en la filogénesis que aún no han experimentado.

La acción transparente está presente en el proceso de FOA, ellos afirman: “No pretendemos tener una idea clara de a dónde vamos, no pretendemos manipular el resultado final, sino que únicamente queremos dirigir el proyecto más allá del momento temporal de clausura”. La metodología que utiliza FOA puede ser definida como la abstracción de una tipología y su transformación en una agrupación de relaciones topológicas o numéricas que pueden ser aplicadas después en circunstancias diversas, con el objetivo de accionar en un contexto local, y buscar nuevo potencial entre la tipología abstracta y las características específicas del sitio.

En este sistema de diseño en Yokohama la investigación constituye una pieza clave para el desarrollo arquitectónico del proyecto. La investigación y el proyecto son uno solo, y se debe de utilizar información obtenida en el primero para identificar el problema regente y poder genera exitosamente el segundo. Para que exista una continuidad es necesario que el proyecto sea visto pragmáticamente y que sea definido como otro nivel de investigación, que lleva a la solución y búsqueda de nuevas interrogantes. Esta idea hace lógica la unificación de la teoría y la práctica, por lo que para obtener un buen resultado es necesario mezclar estas etapas. En relación con lo anterior FOA afirma: “Estamos mucho más interesados en un proceso en el que la actualización del programa genere virtualidad, y suscite cuestiones que se pueden utilizar para desarrollar otras posibilidades de actualización de la práctica”.

La transparencia activa de Yokohama es inherente, y lo más importante es que su metodología sea práctica, funciona y un sistema experimental con un potencial infinito, porque mientras más se investigue a nivel informático más herramientas se adquieren y los procesos se enriquecen enormemente. La firma FOA es sólo uno de los grupos jóvenes que están utilizando este medio de acercamiento como medio principal creativo.

Le Cube Noir.

Escrito por Óscar Enríquez   

Martes, 30 de Octubre de 2007

Ubicado (como representando una ironía) en la colonia independencia de Monterrey Nuevo León, este cubo de lamina acanalada y cristal, alberga el trabajo de uno de los estudios de arquitectura de mayor impacto en el desarrollo urbano, habitacional y corporativo de la regia metrópoli.  

Emplazado en un terreno de 814 m2 y construido en tan solo 36m2 de ellos, este cubo hace alarde de la expresión lineal primaria, su forma simple hace referencia a la abstracción inmediata que todo arquitecto tiene a la hora de entender un objeto, el reto programático consto básicamente en manejar cuatro módulos  de 3 por 3 m subdivididos dependiendo de las necesidades de trabajo requeridas en determinado momento y utilizando uno de ellos para albergar los servicios del objeto, sus fachadas manifiestan un equilibrio fractal que se dice al igual que la planta dividido en cuatro, haciendo de pronto el gesto mas dinámico con el solidó y el vació, el interior y el exterior, lo cual juega un papel importante pues hacia la calle Serafín peña este cubo se cierra comportándose como un objeto que viajaba hacia alguna parte pero que aterrizo ahí por circunstancias de la vida misma, abriéndose hacia el predio actualmente con el único fin de iluminar pues aparte de piedras, tierra y el  muro de un edificio al fondo (cuya expresión formal asemeja a la de una bodega), no ofrece mucho que ver. Como vecino inmediato figura el cubo 2, que viene a ser una evidente secuela en el aspecto compositivo de este Rubik hecho edificio, sin embargo este no nació como una emergente oficina de proyectos, sino como una exploración para vivienda seriada, que pretendía romper con los esquemas tradicionales del hábitat regiomontano resolviendo las necesidades básicas y funcionales de un departamento, con el mayor ahorro de espacio posible, planteando un crecimiento a futuro, y aunque no se desarrollo a una escala urbana, luce como una maqueta escala 1.1 de un ejercicio explorativo.

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FOTOGRAFIAS:

Óscar Enríquez